Au gré d'un souffle

   Antoni Tàpies i Puig

(12/12/1923-06/02/2012)

à Barcelone – Espagne

Considéré comme le père de la “Peinture d’action”, Antoni Tàpies est l’un des plus important représentant de l’avant-garde Espagnol de l’après guerre.

Ses œuvres son principalement à thématique sociale, elles abordent l’oppression, l’affliction et le formalisme de l’époque.

Peintre, sculpteur, théoricien de l’art espagnol, Antoni Tàpies issu d’une famille d’intellectuel, se consacre dans un premier temps à des études de droit sans abandonner la peinture.

Au début des années 40, Tàpies contacte une grave infection pulmonaire, contraint à deux année de convalescence, il va s’intéresser à la musique romantique, à l’histoire de la philosophie tout en continuant à peindre et à dessiner.  Au terme de cette période, profondément marqué par la guerre civile espagnole, Tàpies se tourne définitivement vers l’art.

En 1943 Tapiès va suivre des cours de dessin à l’Académie Valles.

A partir de 1946, il se consacre à la peinture et approfondira ses connaissances dans différents domaines tels que la littérature, la musique, la peinture, la philosophie, il explorera également l’art oriental et la calligraphie.

En 1948, cofondateur du mouvement “Dau al Set”, ainsi que de la revue éponyme, il va se rapprocher des mouvements surréaliste et dadaïste. Sa rencontre avec Joan Mirò en 1949 aura une grande influence.

Relief noir pour la Documenta
Technique mixte sur toile, 275 x 230 cm
Photo: Robert Bayer, Basel

Le tableau gris-noir réalisé sous la sinistre dictature de Franco ressemble à un mur sombre et brûlé (Tàpies parle de « Relief »), tout entier fait de couleur, de sable, de cendre et de silence. Il ne s’agit plus ici d’une couche de fond sur laquelle un peintre expérimenté a déposé ses traces colorées — au pinceau ou à la manière des drippings de Pollock. Tàpies a en effet choisi de gratter des traces dans la masse même du fond coloré. Dans leur simplicité archaïque, ces traces peuvent se lire comme des propositions purement abstraites. Mais on peut aussi y voir les lignes séparant un sol de deux murs et d’un plafond. Nous nous trouvons alors en présence d’un angle, dont la noirceur ne ménage aucune issue.

Les formes rectangulaires s’apparentent à des espaces fermés, des volets clos, des murs. Le travail de Tàpies est avant tout un ensemble de valeur qui s’assemble ; Il utilise essentiellement la gamme des bistres, le noir et le blanc et ponctuellement des touches de couleurs vives qui donnent une dynamique forte à ses compositions.

En parlant de ses toiles Tàpies précise :"Je voulais que le tableau soit comme un talisman, qu’en le touchant, vous sentiez des énergies qui vous guérissent, par exemple. L’idéal, c’est de prendre un petit tableau quand vous avez mal au crâne et, en le touchant avec la tête, cela vous donne des énergies pour vous guérir. Chaque matériau s’exprime à sa façon, il faut les laisser parler, ils ont une charge expressive." Il qualifiait ses œuvres de "champs de batailles où les blessures se multiplient à l’infini."

S’il est un événement à ne pas manquer c’est bien l’exposition de MBM – Marc Brunier Mestas – à la maison de la lithographie de Saint-Pourcin sur Sioule, et ce jusqu’à fin juillet.

Si vous survolez cette exposition, vous pourrez dire « c’est noir, c’est angoissant », mais à y regarder de plus près, le travail de MBM est traité avec un humour décalé, on sent à travers ses œuvres que l’artiste s’amuse même des choses les plus graves.

Marc Brunier Mestas nous laisse à voir son monde onirique, pénétrer son imaginaire, et, pourquoi pas, se l’approprier et inventer une suite…

Dans cette exposition, on peut voir “la mort” qui s’interroge sur son devenir. Triste ? Pas du tout. Toutes ses œuvres traitent de ce qui le touche, de ce qui l’interroge avec humour.

Ses œuvres sont chargées de symboles, tout l’interpelle.

Dans la gravure “Tête de veau farcie” n’y voyez aucune allusion, ou pourquoi pas !

“Le bal des faux culs”, “par le bout du nez”, “la femme mariée à un phoque”, “combat de chefs”, “les quatre prétentieux”, n’avons-nous pas tous vécus ces moments ?

les quatres prétentieux

A côté de cela, des gravures émouvantes comme “à l’ombre des pins”, “la biche aux abois” ou “à l’heure de l’herbe tendre”.

Dans le travail de MBM ont sent une grande maîtrise du geste, il fait corps avec le lino.

Les gravures petit format sont comme des instantanés de ressenti, un regard qui se porte sur une chose précise où l’imaginaire abrupt, jeté sans réfléchir, comme il se présente, avec parfois « l’accident » qui fait tout l’intérêt du travail.

Le travail de Marc Brunier Mestas est d’une exceptionnelle qualité et ne laisse personne insensible.

Avec cette exposition, MBM nous laisse à voir, à imaginer, à ressentir et à continuer l’aventure avec notre propre perception des choses…

Marc a atteint son but… «touché mais pas coulé».

UNE EXPOSITION A VOIR ABSOLUMENT…

ensuite...

Maison de Pays de Menat, route des gorges de la Sioule, du 3 août au 12 octobre 2011 (tél. 04 73 85 51 15),
La Passerelle, Pont-de-Menat, du 1er septembre au 12 octobre 2011

MARC BRUNIER MESTAS né en 1968 à Clermont-Ferrand

MBM obtient en 1990 un DNAP (option art) et un DNSEP (option art) avec Félicitations du Jury, à l'Ecole des Beaux Arts de Clermont-Ferrand.

MBM expose depuis 1991, tant dans la région qu'à l'étranger.

1995 - Print Triennal '94 Consumenta' in Nuremberg

1995 - "Jeensuun Taidemuseo" Finlande...

1997 - 2ème Triennale d'Art graphique au Caire

Bien d'autres expositions sont à noter, comme en  2007, "Global Matrix" purdue à WEST LAFAYETTE -Indiana (USA)

et en 2011 "Ca c'est fait" à WUHAN (chine)

                                 Graziella Dupuy - juillet 2011

Edwin Parker (Cy Trombly), 25/04/1928 à Lexington en Virginie - 5 juillet 2011 à Rome.

Cy pour Cyrius, comme son père, joeur de base-ball, surnomé Cy en hommage au célèbre “Pitcher” Cy YOUNG -

“ C'est une chose enfantine que de peindre. Je veux dire avec la main. Je commence par utiliser une brosse, mais très vite, je ne peux pas continuer parce que l'idée se fige, c'est trop long. Je suis obligé de revenir en arrière, et ce faisant, je perds l'idée en cours. Alors, j'utilise ma main ou ces bâtons de peinture qui se révèlent formidable à l'usage. C'est instinctif, dans un certain genre de peinture... pas du tout comme si vous étiez en train de peindre un objet ou des choses précises. C'est plutôt comme de traverser le système nerveux. C'est comme un système nerveux. Ce n'est pas décrit, c'est en train de se dérouler. Le sentiment vient en même temps que l'oeuvre. Je pars d'un sentiment, de quelque chose de doux, de rêveur, de dur, d'aride, quelque chose de solitaire, quelque chose qui se termine, quelque chose qui commence. J'en fais l'expérience, et j'ai besoin d'être dans cette action de continuer, d'avancer. Je ne sais comment décrire cet état... Pollock quand vous le voyiez travailler, pour moi, c'est l'un des plus grands peintres américains, c'est très lyrique. Gorky, qui était très passionné et pouvait prendre un dessin et le copier exactement sur la peinture. Mirô aussi, pouvait traduire ses dessins en peintures. Il y a un certain maniérisme chez eux, que je n'ai pas. Je ne pense pas à la composition, ni à la couleur, je cherche juste à progresser. Cela ressemble plus à faire une expérience qu'à un tableau.” Cy Twombly

Mondrian / De Dtijl

Centre Pompidou - Paris

du 1 décembre 2010 au 21 mars 2011

PIETER Cornelis Mondrian

né le 7 mars 1872 à Amersfoort (Pays Bas), mort le 1^er février 1944 à New-York (USA).

Piet Mondrian est un des pionniers de l’abstraction. Il est avec Malevitch et Kandinsky un des premiers à utiliser un langage purement abstrait, depuis son interprétation du cubisme analytique entre 1912 et 1917.

L'arbre gris 1911

huile sur toile (78,5 x 107,5 cm)

Pommier en fleur 1912.

"Je sentis, confia plus tard Mondrian, que seuls les cubistes avaient découvert le bon chemin, et pendant longtemps, je fus très influencé par eux".

mais il ajoute aussitôt

"Petit à petit pourtant, je pris conscience que le cubisme n'assumait pas les conséquences logiques de ses propres découvertes".

L’œuvre de Mondrian est construite sur l’épuration radicale du tableau, une représentation transcendantale de l’image, Il tend vers des moyens réduits, il fait jouer chacun des paramètres qu’il a choisit de disposer avec la plus grande subtilité dès le début de sa carrière.

A partir de 1938 son travail est basé sur une construction simple, parfaitement équilibrée, réduite à des rectangles et quelques couleurs qu’il place sur une trame octogonale qu’il déclinera en série jusqu’à la fin de sa vie.

Entre 1900 et 1908, Mondrian semble plus proche du mouvement symboliste (on sait qu’il rencontrera en juin 1908 le peintre Jan Toorop, personnage central du symbolisme hollandais. A cette époque il aurait découvert chez Yan Sluijters l’emploi arbitraire de la couleur.

Dans ses écrits théoriques, Mondrian explique la rigueur de sa démarche et le style évolutif d’une série à l’autre, l’évolution logique de chaque série de variations.

Dans le monde de l’art moderne, Mondrian est une figure essentielle du mouvement moderne de l’art du XXème siècle mais également de sa participation fondamentale avec les designers, architectes, allant du mobilier jusqu’aux objets industriels de consommation courante dans les nouveaux espaces tant privés que publics.

 La conception de Mondrian permet de dévoiler les lois internes de l’univers et d’établir des principes d’harmonie et d’ordre qui régissent le monde. Mondrian conçoit des concepts radicaux, complexes en faisant diverses expériences dans divers domaines artistiques, philosophique et spirituel, renouvelant  fondamentalement son langage.

Mondrian donne comme définition de son style « le néo-plasticisme », un nouveau moyen de concevoir a forme.

Sa conception de la forme tirée des influences du fauvisme et du cubisme, qui lui permirent d’éliminer peu à peu courbes et obliques pour devenir des grilles animées de lignes parfaitement octogonales.

Les réflexions de Mondrian évoluent et l’artiste renforcera ses toiles par une trame de lignes noires.

A partir de 1940, il utilisera les couleurs primaires, jaune, rouge, bleu et la non couleur, le blanc appliqué de façon uniforme. Ses toiles créent un sentiment dynamique et vital.

On peut voir au Musée National d'Art Moderne à Paris New-York City (1942)

Dans cette toile, Mondrian croise le jaune avec 2 couleurs de fond, on note le blanc passé uniformément comme support, c'est le dernier acte de rupture avec la représentation dans l'histoire de l'art jusque là.

                                                                             Graziella Dupuy

                                                                             21 janvier 2011

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Par Alfred Pacquement,

Parmi les avant-gardes européennes, le mouvement De Stijl constitue une clé de lecture pour la compréhension des sources du mouvement moderne au 20e siècle. Malgré le rayonnement artistique de ses acteurs, parmi lesquels ses fondateurs Piet Mondrian, Theo Van Doesburg et Gerrit Rietveld, cette « plate-forme » d'avant garde n'avait jamais fait l'objet d'une grande rétrospective en France. Le Centre Pompidou consacre, à partir du mois de décembre, une exposition inédite à cet instant crucial qui vit naître la modernité à travers les parcours croisés de sa figure magistrale, Mondrian, et du mouvement De Stijl.

C'est en 1918, une année après la fondation officielle du groupe et la publication du premier numéro de la revue qui diffuse et rend publique la doctrine du mouvement, que les créateurs du Stijl synthétisent leur vision esthétique et sociale commune : le premier manifeste appelle à un nouvel équilibre entre l'individuel et l'universel et milite pour la libération de l'art des contraintes du culte de l'individualisme. Le Stijl, vision utopique et engagement dans la production du réel du monde industriel, prend ses sources à la fois dans la philosophie de Spinoza et dans le mouvement théosophique alors largement répandu en Hollande. Autour des trois figures centrales, Mondrian, Van Doesburg et Rietveld, le noyau originel du mouvement est riche d'autres membres : les peintres Bart Van der Leck, Georges Vantongerloo et Vilmos Huszar, les architectes J.J.P. Oud, Robert van't Hoff et Jan Wils, le poète Anthony Kok, rejoints ensuite par le graphiste Piet Zwart et l'architecte urbaniste Cornelis
Van Eesteren.
Durant les quatorze années de son existence, le mouvement transdisciplinaire offre une transcription formelle, plastique, picturale et architecturale des principes d'une harmonie universelle, et la met en oeuvre. La peinture, la sculpture, la conception de mobilier et le graphisme, l'architecture et bientôt l'urbanisme sont les supports de cette expérimentation conduite simultanément. Pluridisciplinaires, les productions du Stijl le sont par nature, outrepassant les cloisonnements traditionnels et académiques entre arts majeurs et mineurs, entre arts décoratifs, architecture et urbanisme : « de l'esprit à la ville ».
La spatialité de l'oeuvre d'art passe progressivement du statut de support d'analyse du monde à celui d'agent de construction de l'environnement social et politique de la ville. À ce titre, elle constitue une expérience du monde, elle ordonne le monde et donne corps à la communauté ; elle configure et rend possible l'équilibre entre l'individuel et le collectif, entre le rationnel et le sensible, entre le savoir et le faire, entre le spirituel et le matériel. Il s'agit en priorité pour le Stijl d'inventer un langage formel qui répond aux enjeux de la société industrielle au lendemain de la Première Guerre mondiale et de tracer les stratégies de mise en oeuvre d'un nouvel ordre sociétal. La méthode de cette vision est le néoplasticisme. Il s'agit, dans un premier temps, de radicaliser l'approche des avant-gardes contemporaines : « Les cubistes, disait Mondrian, refusent les conséquences de leur propre révolution plastique. La sensibilité moderne ne peut se réduire à l'intégration de multiples points de vue, elle doit tendre vers une langue plastique directement universelle et rationnelle ». Van Doesburg milite quant à lui pour « l'élaboration au sujet des arts plastiques des principes fondamentaux élémentaires et intelligibles par tous ». C'est par l'usage strict des couleurs primaires (bleu, jaune, rouge), du blanc et du noir appliqués en aplat, de lignes droites et orthogonales, par la limitation des formes et la géométrisation des volumes que les créateurs du Stijl inventent une grammaire formelle. L'élémentarisation du lexique formel et les proportions dynamiques repoussent les limites du tragique et donnent lieu, in fine, à une esthétique projetée comme universelle.

À Paris, un artiste qui sera l'une des figures centrales du mouvement, Mondrian, découvre le cubisme de Picasso et abandonne la peinture divisionniste ou fauve de ses débuts, marquée par des sources théosophiques ou spirituelles, pour entreprendre la recherche d'un « langage pictural universel ». Entre 1912 et 1920, il mène progressivement le cubisme jusqu'au néoplasticisme (la Nouvelle Plastique abstraite), et passe de « la réalité naturelle à la réalité abstraite ». Avec cette analyse et en décomposant la forme, il aboutit à la plastique pure, fondée sur l'établissement de rapports entre des surfaces colorées, selon une logique d'harmonie et d'équilibre. Cette dialectique horizontal/vertical, où les couleurs pures (bleu, rouge, jaune) se juxtaposent aux non-couleurs (noir, blanc, gris) dans une géométrie combinatoire, qui abolit la perspective, permet d'infinies variations. Sur ce principe, Mondrian crée, entre 1912 et 1938, une centaine de peintures, avec lesquelles il met en place sa théologie du néoplasticisme.
« Tout se compose par relation et réciprocité. La couleur n'existe que par l'autre couleur, la dimension par l'autre dimension, il n'y a de position que par opposition à une autre position. » Le tableau est ouvert et apparaît comme un fragment d'un ensemble plus vaste, portant vers un monde de métaphores. L'horizontale évoque la terre, la mer, le principe féminin ; la verticale rappelle l'arbre, le principe masculin, etc. La division de la toile en quadrilatères entre en rapport avec le cadre de l'oeuvre, avec le mur où il se trouve, avec la pièce, avec la cité. Le néoplasticisme est un monde exact qui lie l'ordre pictural à une utopie sociale, spirituelle et poétique.

Dans son atelier du 26, rue du Départ, à Montparnasse, traité comme un tableau, comme un espace d'art total, Mondrian vit sobrement et mène une activité qui conjugue des entreprises théoriques, éditoriales et commerciales, pour défendre son idéal néo-plastique et activer ses réseaux artistiques. En 1915, cet atelier sera le lieu de sa rencontre décisive avec Theo Van Doesburg. Mondrian côtoie tous les artistes qui comptent (les Delaunay, les Arp, Jean Hélion, Mallet-Stevens, Pierre Chareau et Le Corbusier, les cubistes, les futuristes, les constructivistes, les artistes dada et les abstraits…) et accueille de jeunes artistes, comme Calder venu spécialement à Paris en 1930 pour le rencontrer. À Paris, il trouve ses premiers collectionneurs, ses premiers disciples et critiques. Le 26, rue du Départ devient le point de référence d'un monde nouveau, le « poème de l'angle droit » (Le Corbusier), qui subordonne l'individuel à l'universel. L'exposition, qui montre les peintures et les dessins créés par Mondrian à Paris, reflète le bouillonnement artistique engendré par sa présence et son entreprise radicale.

                                         Directeur du musée national d'art moderne